Les frères Lumière, en filmant L'arrivée d'un train à la Ciotat (1895) venaient, sans le savoir, de créer le premier film d’épouvante. Les spectateurs pris d’une crainte incontrôlable se ruaient à l’extérieur des salles de projection pour ne pas se faire « heurter ». Avant même de savoir que le cinéma peut faire rire ou émouvoir, on fit la découverte que, oui, le cinéma peut faire peur.


Il n’en fallut pas plus pour exciter l’imagination de cinéastes et de producteurs. Si bien que dès le premier quart de siècle de l’existence du cinéma, toute une frange de la production se consacrait à l’exploration des peurs ancestrales de l’être humain. Les spectateurs, friands de sensations fortes, se retrouvent à heure fixe dans des salles obscures pour faire naître leurs futurs cauchemars.


De la Transylvanie de carton-pâte et du laboratoire enfumé de quelques savants fous sont nés, avec les années, des créatures de plus en plus visqueuses et sanguinolentes. Parallèlement, les années cinquante font naître une autre créature, l’adolescent. Se multipliant à vue d’œil, peuplant les villes, troublant la quiétude de ses aînés, il a bien fallu trouver quelque chose pour le distraire. Après plusieurs tentatives infructueuses, le cinéma d’horreur s’est avéré être la solution. Bientôt, les salles ne suffisant plus, on construisit sur des terrains vagues le long des routes de grands écrans où sont projetés ce genre de films pour assouvir les bas instincts de ces rebelles sans cause. Comme par hasard, l’adolescence et ses bouleversements devient bientôt un des sujets de prédilection du cinéma d’horreur.


Un jour, parvenus à l’âge adulte, certains d’entre eux, devenus cinéastes, sont restés fidèles aux thèmes classiques du genre, de façon orthodoxe ou en les exagérant jusqu’au point de rupture : la parodie. C’est la vision de cette génération, à la fois créateurs et amateurs du genre que nous vous proposons dans cette programmation reprenant la grande tradition des nuits de l’horreur le soir d’Halloween.

Au programme :

Carrie (Carrie)
Brian de Palma, États-Unis, 1976, 98 min, v.f.

L'emprise des ténèbres (The Serpent and the Rainbow)
Wes Craven, États-Unis, 1988, 98 min, v.f.

L'armée des ténèbres (Army of Darkness)
Sam Raimi, États-Unis, 1993, 81 min, v.f.

Antitube s'associe à la Manifestation internationale d'art de Québec entièrement tournée vers différents aspects de ce que l'on pourrait appeler l'effet du décor et de l'ornement dans le cinéma et l'art vidéo contemporains.

Nous regroupons ici des œuvres où le rapport à la forme du décor ou des accessoires remplit une fonction narrative fondamentale, venant ajouter un récit non verbalisé par les personnages. L'ornement, dans ce «cadre» là, est abordé dans la mesure où il se présente comme un moteur et qu'il détermine plus qu'il n'environne l'action du film ou de la création vidéographique que nous aurons retenus. D'ailleurs, parfois, la volonté de mettre en scène ce discours « historié » de l'ornement est elle-même à l'origine de l'évolution narrative de l'œuvre, voire de sa création.

Dans la plupart des cas, l'ornement déréalise, en soustrayant le film ou la vidéo à l'obligation de la convention réaliste. Et il surréalise, en apposant un surcroît de sens, pour dépasser le réel de la scène qui est filmée.

Dans tous les cas que nous vous présentons, l'ornement agit à titre de rajout. Fioriture, minimale ou mégalomane, témoignant d'une volonté de dépasser de maigres moyens de production ou, au contraire, affirmant de façon délirante l'opulence d'une industrie lorsqu'elle se soumet au désir d'un cinéaste fantasmant ; l'ornement n'est pas nécessaire à l'existence de l'œuvre. Mais c'est un indice pensable qui est proposé au public afin qu'il puisse prolonger mentalement le sens de ce qu'on lui montre.


Programme 1 : mercredi 13 septembre 2000 à 19 h 30

Ludwig - requiem pour un roi vierge
Hans-Jürgen Syberberg, Allemagne, 1972, 134 min (Gœthe Institut)

Louis II de Bavière fut sans doute le monarque le plus délirant, au sens propre, du XIXe siècle. Le cinéaste allemand Hans-Jürgen Syberberg, célèbre pour ses Parsifal et Hitler, transfigure ici la vie du roi de Bavière et tente, par le recours à un système de décors peints impressionants, en alternance avec des vues naturelles, de nous faire partager l'univers mental de Ludwig ; admirateur de Richard Wagner, constructeur de châteaux fantasques, amoureux de sa cousine Sissi, angoissé jusque dans la mort. Un parallèle avec Hitler est tenté en fin de parcours, où le cinéaste rapproche les deux êtres épris d'absolu, dont la quête même les mènera à l'anéantissement.

Alliant rythme lent et goût pour le monumentalisme, le cinéma de Syberberg ne rallie pas toutes les critiques. Toutefois, il est assez aisé de constater la marque personnelle de ce cinéaste au sein de la production cinématographique germanique contemporaine. Ses liens anachroniques à travers l'histoire et les cultures, ses explorations critiques des mythes fondateurs de la nation allemande ont produit des œuvres uniques, dont la forme même se moule au sujet qu'elles abordent, de façon intense, et truffées d'allégories.

Programme 2 : mercredi 20 septembre 2000 à 19 h 30

Rien ne t'aura mon cœur
Charles Guilbert, Québec, 1996, 45 min (Cinéma Libre)

Le travail développé par le trio de vidéastes composé de Charles Guilbert, Serge Murphy et Michel Grou depuis plusieurs années emprunte une voie très originale qui relierait l'art vernaculaire du conte et des légendes à celui des enluminures médiévales et du surréalisme poétique du début de ce siècle, où des personnages sont placés en situation quasi-décorative comme «pour une héraldique de la vie contemporaine». Le corps chez eux devient aussi ornemental.

La bande Rien ne t'aura mon cœur est divisée en huit parties qui regroupent chacune les interventions d'une vingtaine d'artistes qui deviennent chanteurs, danseurs, comédiens, récitants ou musiciens. L'astronaute nu ou la starlette aux grandes oreilles, en passant par l'homme aux cent yeux, ne sont que quelques-uns des personnages qui peuplent cette vidéo de mélopées théâtralisées dont l'auteur principal est Charles Guilbert. Peu de traitements optiques ici, peu de stratégies de montage, à peine quelques trucages électroniques ou des jeux simples de substitution qui nous rappellent que nous sommes dans le domaine vidéographique. En fait, l'art vidéo y sert surtout de support à une approche poétique de la vie selon un angle d'attaque volontairement joyeux. L'aspect visuel de ces œuvres est dû en grande partie au travail de Serge Murphy, responsable des costumes et des décors.


Prospero's Book
Peter Greenaway, Grande-Bretagne, 119 min (Audio Ciné Film)

Greenaway est un esthète qui prolonge ses obsessions visuelles dans les événements mêmes des histoires qu'il met en scène. Elles servent habituellement de justification à une exploration de certains de ses fantasmes visuels.

Dans cette adaptation cinématographique de La tempête de William Shakespeare, Peter Greenaway propose une lecture entièrement tournée vers les livres possédés par le vieux mage Prospero qui guident l'action de la pièce mais qui habituellement sont invisibles au commun des spectateurs de théâtre. Ce sont ces livres qui servent de prétexte au mouvement d'univers divers où les plis baroques et les corps dénudés sont autant de motifs qui permettent au cinéaste d'explorer, entre la Rome antique et le XVIIIe siècle, une Renaissance élizabéthaine imaginaire, dans ses symboles, ses motifs et ses ornements.

Le réalisateur britannique fait ici appel à une multitude de talents comme John Gielguld, célèbre acteur shakespearien, Sacha Vierny, qui signe une direction photo envoûtante et Ève Ramboz, infographiste française, célèbre pour sa bande vidéo L'escamoteur d'après Jérôme Bosch, qui rencontra Greenaway durant quelques collaborations marquantes, où l'infographie lui permettait d'animer les figures statiques des représentations graphiques du passé, avant de faire un saut plus commercial sur le film Mission Impossible de Brian De Palma.

Programme 3 : mercredi 4 octobre 2000 à 19 h 30

Passe-moi le ciel
Claudie Gagnon, Québec, 1998, 4 min (La bande vidéo)

L'artiste visuelle et, de plus en plus, la femme «théâtralisante», Claudie Gagnon, dont on peut voir les œuvres dans l'exposition Métissages et durant la Manifestation internationale d'art de Québec, développe depuis plus de quinze ans un art fait de recyclage, de déviations et de reconfigurations. Les matériaux dont elle se sert sont souvent des objets préconçus par autrui, souvent des produits de consommation d'une époque à peine révolue qu'un oubli nous a fait croire à jamais disparus. Elle les réhabilite, en travaillant sur leur symbolique initiale et en les confrontant au présent. Passe-moi le ciel est une parade rapide de quelques « tableaux vivants » tirés d'une pièce de cabaret multidisciplinaire conçue par Claudie Gagnon en 1997 qui avait pour titre La chèvre et le chou.. Elle y mettait en scène objets, comédiens, vêtements et accessoires à partir de plusieurs clichés de socialités perdues qui témoignaient des rapports, à la fois tendres et tendus, des sexes qui se marient et des gens qui se fréquentent, là où le travestissement et le fard voilent à peine une certaine mélancolie. Au loin, « La Paloma » roulait en boucle sur des flots de nostalgie.

Careful
Guy Maddin, Manitoba, 1990, 100 min (AudioCiné Film/Alliance/Alliance Independent)

Dans un pays alpin imaginaire, Tolzbad, les habitants ne peuvent s'émouvoir bruyamment. Les fenêtres sont calfeutrées, les animaux domestiques ont les pattes emmitoufflées, les gens chuchotent. Mais qui sont ces gens ? Pourquoi le vol migratoire des oies sauvages est-il attendu avec autant de crainte chaque année ?

Le cinéaste canadien Guy Maddin témoigne plus que d'autres d'un rapport singulier à l'ornement, baroque, hétéroclite, inspiré par l'expressionnisme allemand et le surréalisme, par les légendes islandaises et les histoires de pionniers des ultimes frontières, le cinéma gore italien et le film de famille. L'ornement est utilisé pour créer un climat fantastique qui lui permet de faire évoluer son histoire dans des retranchements surprenants. Cet élément de surprise soutien le ravissement et l'effroi que l'on retrouve souvent conjugués dans son œuvre.

Careful est le troisième long métrage de Guy Maddin. Il a été sélectionné dans de nombreux festivals et acclamé par la critique internationale En 1995, Guy Maddin a reçu la «Telluride Medal» pour l'ensemble de son œuvre, pourtant toute récente et encore en évolution. Ce titre fut jadis décerné à des cinéastes comme Gance, Coppola, Tarkovski et Eastwood.


Programme 4 : mercredi 11 octobre 2000 à 19 h 30

Papillon Cerise
Sylvie Laliberté, Québec, 1997, 8 min 10 sec (Vidéographe)

Chez Sylvie Laliberté, les objets parlent autant que la faconde de la narratrice qui est d'ailleurs très féconde. Narcissique offensive, faussement naïve, l'artiste multidisciplinaire se sert de la vidéo pour compléter une facette de son travail où elle se met elle-même en scène. Les saynettes qu'elle compose ont pour cadre des moments de la vie quotidienne, une promenade d'hiver, une baignoire, une piscine, une cuisine ou un voyage à Casablanca. De temps à autre émerge une chanson qu'elle a elle-même composée, surtout les paroles. Et tout se fait sur un ton léger, plein d'apparences légères et de mots simples, mais où les sens et les non-dits viennent prendre nos sourires au piège, en nous laissant entrevoir un éclair de gravité et de tristesse. C'est Laliberté.

Satyricon
Federico Fellini, Italie/France, 1969, 138 min, v.o. i., s.-t. fr. (Audio
Ciné Film)

Au Ier siècle de l'Empire, deux jeunes hommes, qui se disputent l'attention sexuelle d'un adolescent, se retrouvent entraînés dans une suite d'aventures mi-cauchemardesques, mi-merveilleuses qui prennent pour base les mœurs et les modes de l'Antiquité romaine.

En adaptant cet ouvrage du poète latin Pétrone, dont il ne nous reste que quelques fragments, Federico Fellini marie pour une des rares fois ses obsessions visuelles et satiriques au monde du passé. L'outrance de la mise en scène qui en résultera va colorer d'ailleurs tout le reste de son œuvre. Dire que ce film est ornemental serait un euphémisme, de même d'affirmer qu'il fait appel à des métissages transculturels et transtemporels, où le passé parle au présent de la facture même de l'œuvre. Provocateur dans son sujet comme dans sa forme, orgiaque au sens propre comme au figuré, le Satyricon de Fellini demeure un film guidé par une réflexion amusée et cynique sur le monde contemporain.

Né en 1958 à Toronto, Peter Mettler a étudié le cinéma et la photographie au Ryerson Polytechnical Institute de Toronto. Il a été directeur de la photographie pour les deux premiers longs métrages d'Atom Egoyan, Next of Kin (1986) et Family Viewing (1988). Il a également été l'auteur ou le co-auteur de plusieurs courts métrages. Il partage sa vie entre l'Ontario et la Suisse.

Programme 1 : 19 avril 2000

The Top of His Head
Peter Mettler, Toronto, 1989, 110 min

Programme 2 : 26 avril 2000

Les plaques tectoniques
Peter Mettler, Toronto, 1992, 106 min

Programme 3 : 3 mai 2000

Picture of Light
Peter mettler, Toronto, 1994, 86 min